miércoles, 17 de junio de 2009

Análisis Guerra Civil Española




TÍTULO
El generalísimo


AUTOR
“Pedrero”


NACIONALIDAD
Española


AÑO
1937


MOVIMIENTO
Guerra Civil Española


B/N / COLOR
Color


FORMATO
Según fuentes


FUNCIÓN
Crítica


FORMA DE LA IMAGEN

Su composición es vertical y los personajes ayudan a que esto se vea


EL COLOR

Usa colores planos y fríos pero también pequeños degradados

LA LUZ

La luz va desde la zona izquierda por las sombras que tienen los personajes a la derecha

TIPOGRAFÍA

Es una tipografía que parece que está hecha con un subrayador

PROPORCIÓN

Está desproporcionado

PERSPECTIVA - NIVELES DE PROFUNDIDAD

Es muy plano. Lo único que da profundidad son los personajes que cogen la capa


RITMO

Se crea por medio de los personajes

DISTRIBUCIÓN PESOS

El peso está bien distribuido a pesar de las desproporciones


RECORRIDO VISUAL

Empieza por la cabeza del personaje principal, baja a la cruz gamada, de ahí a la espada, de la espada a la capa, de la capa a los otros personajes y sube al título

Descripción Objetiva


Esta obra forma parte de la colección de carteles construidos durante la Guerra Civil Española. En esta guerra hubo dos principales bandos que fueron los republicanos y los nacionales. Obviamente cada bando hacía los carteles atacando al otro bando o defendiendo al suyo. Para identificarse en los carteles usaban los colores que les identificaban a ellos. Estos colores eran el rojo para los republicanos y el azul para el otro bando. Pero a su vez el bando republicano se dividió en otros bandos con diferentes ideas. Uno quería la república y el otro ganar la guerra. Teniendo todas estas ideologías, se puede decir que el cartel a analizar pertenece al bando republicano por varias razones. Para empezar si se ve todo bien y se analiza, es una ofensa hacia el bando fascista, ya que aparece su líder (Franco) al que llaman el generalísimo, nombre que da título a esta obra, realizada por un tal Pedrero. Que pusieran sólo el apellido o algún apodo en su defecto, se debía a que debían llevarlo en la clandestinidad para no ser buscados.
La obra consiste en un fondo azul con degradados blancos alrededor del personaje principal pero también, aunque de forma más leve, en los personajes de la derecha. En la parte superior se puede ver el título que se le a dado a esta obra que es “El generalísimo”, que es el nombre que se le dio al personaje principal de la obra, Francisco Franco, líder del bando contrario. Para escribir esta palabra usan una tipografía similar a la gótica. El personaje principal está formado por una calavera cubierta por un casco alemán, una capa de color rojo y granate, una cruz gamada y una espada enfundada que sujeta con su cadavérica mano derecha. Al lado de este, hay tres personajes que sujetan la capa, que son de menor tamaño que el personaje principal y tienen rasgos muy redondeados, al contrario que el otro, que está formado por líneas rectas.
En cuanto a la perspectiva, no se puede decir que exista porque aunque los personajes pequeños están por detrás del mayor, el fondo y los colores planos dicen lo contrario. Además aunque se puede decir que hay una pequeña iluminación (por el uso de algún degradado), esta no ayuda demasiado a crear volumen. Sin embargo el ritmo sí que es un elemento que se ve con facilidad ya que un personaje es rectilíneo y los otros tres curvilíneos, estos es algo que da mucho ritmo a la imagen. Por último hablar de la distribución de pesos y el recorrido visual. La imagen está bien distribuida porque aunque un solo personaje ocupa lo que ocupan los otros tres juntos, las dos partes tienen una importancia semántica semejante. Y el recorrido visual, decir que empieza recorriendo el personaje principal de cabeza a pies, que pasa por la capa hasta llegar a los personajes pequeños, y que acaba en el título de la obra.

Descripción Subjetiva


La Guerra Civil Española fue un gran enfrentamiento entre dos principales bandos que luchaban por sus diferentes ideologías. En varios documentos pone que la Guerra Civil Española sirvió también como campo de prácticas para las potencias del Eje y la Unión Soviética, que también por el desacuerdo de ideologías se enfrentarían (en la Segunda Guerra Mundial) al año siguiente de acabar esta guerra.
Esta guerra se produjo por varias razones: Había dos formas de pensar (principalmente) y según donde vivieras tenías que pensar de esa manera (esto es algo que provocó que personas de una misma familia que pensaban de formas diferentes se tuvieran que enfrentar a muerte), no se respetaban entre ellos y se odiaban a muerte, hay algunos partidos que tienen grupos armados y causan enfrentamientos y atentados, las desigualdades económicas entre los ciudadanos españoles. Además en Barcelona y Valencia predominó la República pero en otras muchas ciudades (más pequeñas) triunfó la sublevación así que esto provocó un gran desacuerdo que ambos bandos querían solucionar de forma bélica.
En esta obra se refleja perfectamente el sentimiento de odio que el bando republicano tenía hacia el bando nacionalista. Se retrata al líder del bando nacionalista, Francisco Franco, como si fuera un oficial o soldado de las fuerzas nazis, porque lleva el casco característico que usaban los alemanes en aquella época (en la zona superior había un pincho en forma de flecha) y lleva también una casaca alemana. En ella se puede ver la cruz gamada (símbolo que representó a los nazis en la 1ª y 2ª Guerra Mundial y que actualmente se sigue usando) en color blanco para que resaltara más sobre el resto de elementos, y una capa roja. Además en las botas se puede ver que lleva espuelas similares a la de los vaqueros quizá para darle un toque más sanguinario o terrorífico. Y una espada también de color blanco que sujeta con una mano cadavérica, igual que el resto del cuerpo. No se ve a Franco como persona física porque su cara está suplantada por una calavera, probablemente para representar a la muerte, como forma de decir que Franco lo único que provocaba era miedo y muerte. Los rasgos que definen a esta figura son totalmente rectilíneos para dar más fuerza a este personaje y añadirle otro toque de siniestralidad. Pero lo más curioso de todo es que las personas que sujetan su capa son muy específicas y responden a diferentes grupos sociales del momento, que son los militares (generales), los adinerados y la Iglesia. Se representan en ese mismo orden y todos ellos son rechonchos y con las mejillas sonrosadas representando el poder (ya que una persona gorda en tiempos de guerra probablemente sea poderosa o adinerada). Con esto lo que quieren representar es que las personas que permiten que Franco siembre muerte y miedo son los generales que representan al ejército, las personas adineradas que contribuyen económicamente y la Iglesia que como mecanismo de defensa ayuda a este bando para erradicar el laicismo que se estaba propagando por el estado.

martes, 16 de junio de 2009

Análisis constructivista



TÍTULO
Camarada Lily Brik
AUTOR
Rodchenko
NACIONALIDAD
Rusa
AÑO
1924
MOVIMIENTO
Constructivismo

PARÁMETROS TÉCNICOS

B/N / COLOR
Blanco y negro y color
FORMATO
Depende de fuentes
FUNCIÓN
Propagandística

EL COLOR

Los colores principales son el azul, el rojo, el verde y el blanco y negro.

LA LUZ

La luz va de izquierda a derecha pero deja muy pocas zonas de sombra.

TIPOGRAFÍA

La tipografía es de palo seco y muy contundente.
PROPORCIÓN

Probablemente sea una proporción áurea.

PERSPECTIVA - NIVELES DE PROFUNDIDAD

No se ve una clara profundidad en la imagen pero algunas letras crean algo de perspectiva.

RITMO

El ritmo lo crean las letras y las líneas.

DISTRIBUCIÓN PESOS

Está en proporción porque en una mitad está la protagonista y en la otra mitad el mensaje.

RECORRIDO VISUAL

El recorrido visual empieza en la cara de la protagonista, después unas letras blancas hacen mirar arriba y abajo y por último la obra lleva la mirada hacia la derecha.

Descripción Objetiva

Esta obra es muy sencilla pero los pocos elementos que tiene le dan mucho significado. Los elementos que hay en la imagen son: un rectángulo (que es la base sobre la que está hecha la obra) que está dividido en tres zonas de color repartidas equitativamente y separadas por un grueso borde blanco. La composición parece estar hecha a base de figuras geométricas, por ejemplo un círculo en el que coloca la fotografía de una mujer (Lily Brik) que está gritando y de su boca sale la palabra “libros” en color rojo intenso sobre un fondo negro. En el resto de la obra hay tipografía en color blanco encima de la foto y debajo de esta y en la zona central derecha otras palabras en color blanco sobre fondo azul. Es la misma tipo en todos los textos y es de tipo sans seriff y sin nada de contraste de grosores.
Aparte de haber formas de color planas, hay también bordes blancos que resaltan la zona que bordean creando así varias formas geométricas. En algunos casos estos bordes sólo son líneas de color blanco que forman diagonales con el fin de dar más ritmo y dinamicidad a la obra. No es esta la única forma con la que da dinamicidad ya que también usa el cambio continuo de color, es decir, que si se hace un recorrido vertical u horizontal se ve variedad de colores, dando también un ritmo extra. Además esta obra es simétrica horizontalmente. Si se doblara por la mitad horizontal, se vería que coinciden todos los elementos excepto la fotografía de la mujer.
En cuanto a la profundidad y perspectiva no se puede decir gran cosa ya que es un cartel visualmente plano porque el único elemento que da sensación de profundidad es la fotografía, que al estar rodeada de formas planas, pierde gran parte de esta.
Descripción subjetiva
Para entender esta obra hay que hablar del período constructivista y del autor que retrata esta obra.
El movimiento en el que se realiza esta obra es el constructivismo ruso, que fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914. Este movimiento se caracteriza por: ir en contra del movimiento natural de la naturaleza (ya que usan la diagonal), la obra tiene que haber sido pensada previamente con gran claridad antes de ser realizada, se daba importancia a la claridad absoluta y la técnica tiene que ser mecánica. Estas son algunas de las características que definen la obra del constructivismo y la de Rodchenko en concreto. Rodchenko es uno de las figuras más importantes de la vanguardia del siglo XX y uno de los autores más polifacéticos del constructivismo. Aparte fue pionero en la fotografía de este movimiento y otra característica que le define es que renunció a hacer arte sin meditar para hacer arte al servicio del ciudadano, el arte que hacía era para favorecer al pueblo y para que el pueblo lo entendiera con total claridad. Él creía que el verdadero diseñador no tenía que tener miedo de destruir para luego poder crear mejor y animaba a los demás diseñadores a que nunca dejaran de experimentar. Y el primero que representa eso es él mismo ya que hice dibujo, construcción, fotografía, tipografías y todo lo relacionado con el mundo del diseño.
Este cartel es obra suya y en él se ven reflejadas todas las características que definen al autor. Usa formas geométricas y se ve que estaba todo muy bien planteado, todo tiene un sentido. La forma triangular en la que está la palabra libro en rojo es así para simular un altavoz, es una forma de “hacer que se escuche”, para dar importancia a lo que en este caso quería publicitar, que es una editorial. Otro detalle que se puede ver es que esta palabra la pone en color rojo probablemente para dar resaltar el color que representaba su ideología, ya que este hombre era fiel a esta. Y por último hablar de la fotografía que usa. La coloca en blanco y negro y este elemento es el que le dio fama a esta obra porque la mujer de la fotografía es Lili Brik, la “musa” de un poeta llamado Vladimir Mayakovski. Y usó a esta mujer especialmente porque el pueblo ruso la conocía por ser eso mismo, la musa de ese poeta. Y a su vez Mayakovski era amigo de Rodchenko. Al usar una cara conocida y querida y unos elementos tan sencillos, daba como resultado una buena obra fácil de entender para cualquier persona.

viernes, 24 de abril de 2009

Fotomontaje



Nombre: ZP Maligno

Autor: Sergio Oiz

Año: 2009

Movimiento: Fotomontaje

B/N COLOR: Color

Función: Crítica

La luz: Va de izquierda a derecha

Tipografía: No hay

Proporción: Todo está en proporción

Recorrido visual: De arriba a abajo



Comentario objetivo y subjetivo


Consiste en una imagen del malvado personaje Doctor Maligno ( de la película Austin Powers) en la que he montado la cara del presidente Zapatero. Esta imagen refleja perfectamente la maldad que tienen algunos políticos.. Es una forma divertida y clara de representar la idea que se estaba buscando. Los rasgos dibujados en su cara, el gesto que realiza y la sonrisa pícara intuyen cierta maldad en el personaje. Y para reforzar la idea que quería dar está por un lado el malvado personaje Doctor Maligno y el actual presidente Zapatero.

domingo, 22 de marzo de 2009

Composición Aúrea




Tipografía






Es una tipografía con serifas redondeadas y de formas también redondeadas, además tiene contraste en algunos casos.

domingo, 8 de febrero de 2009

Portada Revista Modernismo Pictórico



PLANTILLA DE ANÁLISIS


1.VÍNCULO DEL NIVEL CONTEXTUAL
DATOS GENERALES

Título: Lamodactual
Autor: Sergio Oiz
Nacionalidad: España
Año: 2009
Movimiento: Modernismo Pictórico
PARÁMETROS TÉCNICOS
B/N color
: Color
Formato: a4
Función: Propagandística.

2. NIVEL MORFOLÓGICO
Forma de la imagen
: Hay un vestido con líneas rectas en la zona de arriba y curvas en la de abajo. Situado en el centro. El fondo son patrones de confección con líneas rectas y curvas.
El color: El fondo está hecho de varios colores planos y el vestido tambié tiene colores planos aunque tiene alguna línea que le da volumen.
La luz: No hay presencia de luz en la imagen.
Tipografía: Es una Helvética LT. Una tipografía de pal seco para hacer referencia a la modernidad de la revista.


3. NIVEL COMPOSITIVO
Perspectiva
- Niveles de profundidad: La imagen es completamente plana y no tiene ni perspectiva ni pro­fundidad.
Ritmo: Es una imagen que tiene ritmo porque se repiten los elementos del fondo y los colores.
Distribución de pesos: Es prácticamente simétrica así que está perfectamente equilibrada.
Recorrido visual: Empieza en el nombre que está en el centro del vestido, las líneas hacen bajar hacia abajo y depués subir para descubrir el resto de la imagen.


Descripción objetiva:
Esta es una imagen para la portada de una revista de moda llamada “ Lamodactual”, la cual está basada en el movimiento del modernismo pictórico. Dos de los autores en los que está especialmente basada esta obra sonCassandre y Colin. Se puede ver en el centro un vestido de mujer hecho con formas rectas y acabando la parte de abajo con grandes curvas, esto es algo que hace a la imagen dinámica. Otra característica que la hace dinámica es la repetición de la forma del patrón del fondo, que está con muchos colores totalmente pla­nos. El vestido también está hecho casi en su totalidad de colores planos pero a su vez tiene unas líneas que recorren el vestido desde la cintura hasta el final, que dan cierto volumen a la figura. No se puede decir que haya un foco de luz que guíe esta imagen pero siguiendo estas líneas, la luz vendría de un lateral. La tipogra­fía está integrada dentro del vestido, usando una de las dos franjas blancas que tiene para colocarla dentro. Al estar este vestido justo en el centro de la imagen, la hace casi simétric y esto hace que el peso esté distri­buído. Además los patrones del fondo son todos iguales y están repetidos, creando un ritmo muy dinámico en la imagen.


Descripción subjetiva:
El autor ha intentado, con esta ilustración, imitar el estilo de los autores del movimiento del modernismo pictórico. Para ello ha usado a Cassandre y Colin como principales referentes debido al dinamismo de sus obras. En la de Cassandre, el objetivo era aparentar una borrachera colocando elementos repetido y con for­mas curvas en el fondo y en el centro un hombre con una botella en cada mano a las que da vueltas. Y en la obra de Colin la protagonista es una mujer creada mediante foras curvas, que también es muy dinámica. Por lo tanto al juntar algo dinámico con algo dinámico el resultado tiene que seguir siendo dinámico. Y eso es lo que se pretendía al conjuntar a dos artistas cuyas obras son puro dinamismo. Igual que en una obra de Colin en la que mezcla a un hombrehecho con líneas rectas y a una mujer hecha con líneas curvas, en esta obra se combina la línea curva y la recta tanto en el vestido como en el fondo. El objetivo de colocar líneas rectas en el vestido era el de dar un aspecto de seriedad al conjunto, una forma de decir que las mujeres serias y for­madas pueden usarlo tanto como las mujeres jóvenes y divertidas, ya que las líneas curvas incitan al movi­miento. Para estilizar el vestido, igual que lo hacía Colin con su bailarina exótica, hay una línea a la altura de la cintura, que está colocada en la parte de arriba del vestido, para dar la impresión de que el resto es pierna. por último el motivo de colocar patrones de confección con varios colores es el crear un ritmo muy dinámico y divertido pero también hacer referencia al trabajo artesanal que es el de la confección de textiles.

lunes, 15 de diciembre de 2008

Art Nouveau Francia






Alphonse Mucha



La composición es asimétrica ya que si separas la imagen en dos partes, no son iguales, en un lado hay elementos que no se pueden ver en el otro. La función de la imagen es expresionista ya que con esa obra quiere expresar un sentimiento de una mujer que está rodeada de flores.
La imagen está compuesta por una mujer que mira hacia arriba y cuya cara es muy expresiva y alrededor de ella hay muchos elementos florales, tallos alargados y formando una figura circular y en sus terminaciones las flores, todo ello formando círculos. Parece que la mujer está atrapada entre esos elementos florales pero parece que la mujer no está triste por estar rodeada. Mira al cielo pero no se qué quiere expresar con eso.
No hay sombras excepto en el vestido de la mujer para formar las arrugas, en el resto de la imagen no hay sombra ni en la mujer ni en el resto de elementos, ya que el color es plano en toda la imagen, hay una pequeña zona que está formada por una trama haciendo un círculo y el resto son todos colores vivos y alguno que recuerda a los colores reales de las flores. La mujer también está compuesta en colores planos y acorde a la realidad. Los elementos se contrastan más por el trazo que por el color ya que el de fondo y el de la mujer es muy parecido.
Las únicas simetrías que se pueden ver son las de algún elemento floral porque está formando un círculo o semicírculo, en el resto de la imagen no hay simetrías.
El recorrido visual empieza en la flor de abajo a la izquierda y va haciendo una espiral siguiendo los demás elementos florales hasta la cara de la mujer.

Art Nouveau Italia



Leonetto Cappiello


Esta obra pertenece a Leonetto Cappiello, un artista de la época del Art Nouveau en Italia.La forma de esta imagen es totalmente curva, no se ven líneas rectas en la ilustración para componer a la mujer, está hecho en su totalidad con líneas curvas. Usa un vestid con una gran falda llena de líneas curvas y un extravagante sombrero que está formado de la misma manera. Incluso la tipografía está construida mediante curvas. En cuanto al color, se ve que no hay degradados en ninguna zona de la imagen sino que son todo colores planos contrastados unos con otros pero delimitados por una línea negra. Al ser todo colores planos no se puede hablar de que el autor dibujara teniendo como referencia un foco de luz, sino se hubieran visto degradados o diferentes tonalidades de color plano en algunas zonas de la imagen.En esta obra la mujer no está estilizada porque su proporción se corresponde a la real de una mujer y al resto de elementos le pasa lo mismo. En cuanto a la profundidad de la imagen no se puede decir que exista, ya que están todos los elementos al mismo nivel de profundidad, no se aprecia ningún elemento sobrepuesto a otro. Pero algo que sí existe es ritmo y está formado por todas las líneas curvas que crea la mujer y por la tipografía (al ser todo curvo, hay formas que se repiten y crean cierto ritmo). No es una imagen simétrica del todo pero casi, ya que la mujer está colocada en el centro y la tipografía ocupa la parte de abajo y esto hace que el peso esté distribuido. Para acabar, hablar del recorrido visual, que es totalmente vertical. Empieza en el periódico y baja hasta la tipografía recorriendo el cuerpo de la mujer.

Art Nouveau América





Louis Rhead

El autor de esta obra se llama Louis Rhead y perteneció al movimiento del Art Nouveau en América. La forma de la imagen es curva pero también recta, es decir, la mujer está creada mediante líneas curvas junto al pavo real que lleva en la bandeja pero el resto de la imagen está resuelto con líneas rectas, (para crear contraste).Otra diferencia que hay entre la mujer y el fondo es que la mujer está hecha con colores planos en su totalidad (como se puede ver en el vestido), lo mismo ocurre con el pavo real pero no con el fondo, ya que este está hecho con algún pequeño degradado. Puesto que la gran mayoría son colores planos, esto nos indica que no hay un foco de luz que afecte a la imagen.
La tipografía que utiliza también combina las líneas rectas y curvas de forma que se integra en la imagen, además tiene mucho contraste de grosor, cosa que también la relaciona con la imagen.
En cuento a la proporción se puede decir que está todo proporcionado porque la mujer no está estilizada ni el pavo deformado ni nada parecido. Se puede apreciar que la mujer y el pavo están por encima del subcartel con tipografía y del título de arriba pero la planta que hay arriba está por debajo del título. Teniendo en cuenta lo dicho anteriormente se puede decir que es una imagen con ritmo por las rectas y curvas y por el uso de las diagonales en la composición. Una composición completamente asimétrica pero con los pesos bien distribuidos ya que la mujer ocupa la parte izquierda y el cartel anunciante la parte derecha. El recorrido visual empieza en la cara de la mujer, de ahí va a los brazos, al pavo real, sube al título y baja abajo por el cartel de la derecha.

miércoles, 10 de diciembre de 2008

Análisis Pierre et Gilles





Aspectos connotativos


En la imagen se puede ver un hombre con un corto pantalón vaquero, unas botas de

monte y una gorra puesta al revés, a su derecha hay una mochila con los colores de la

bandera de Estados Unidos y a su izquierda una señal que indica los kilómetros que

quedan para llegar a un sitio (69 en este caso) y debajo hay hierba y margaritas. El

fondo es un cielo lleno de nubes de manera homogénea y en el centro una especie de

destello.

El centro de atención de la imagen es el hombre que está posando y está compuesto

por líneas curvas al igual que el resto de la imagen.

La foto está en plano medio y dentro de este plano medio hay otros planos (cuatro en

este caso) que son la hierba, la señal, el hombre, la mochila y el cielo (por lo tanto hay

variedad de texturas) y todo ello está perfectamente enfocado. La imagen está en

colores muy contrastados entre sí haciendo que se diferencie bien la figura del fondo y

tiene iluminación artificial y dura, colocando un foco a la derecha, otro a la izquierda y

otro que cree el destello por detrás pero más suave. Todo esto lo hace con una

perspectiva frontal y equilibrando los pesos al colocar al hombre en medio, al hacer

esto, no cumple la ley de tercios y esto crea cierta tensión junto a la variedad de

texturas. La imagen no tiene mucho ritmo exceptuando el conjunto de nubes que tienen

una forma similar y pueden crearlo, todo esto hace que la imagen sea dinámica. El autor

crea un escenario que parece que es de exterior y esto hace que no haya profundidad

en los planos, el vestuario hace que se vea que esta imagen es de una época más o

menos reciente y al estar todo preparado es una imagen que se puede sacar en

cualquier momento.


Aspectos denotativos


El autor es gay y por lo tanto los temas que presenta con esta imagen son eróticos ya

que el hombre casi no lleva ropa y la señal indica 69 Km. que es un número que

representa esta idea. Aparte de esto, el autor crea una atmósfera fantasiosa por el

destello que produce el hombre, el vestuario que lleva y la iluminación que le da al

sujeto. Intenta representar un estereotipo de hombre perfecto con su mochila de

Estados Unidos y el ambiente que le rodea. La foto la ha hecho en un interior simulando

un exterior para poder manejar mejor la iluminación y para que parezca más artificial o

fantasioso.   

    


lunes, 24 de noviembre de 2008

Debate diseño: arte o no arte?

Esta es una pregunta que lleva mucho tiempo rondando por muchas cabezas perteneciente a ambos “bandos” (los diseñadores y los artistas). Al hacer esta clasificación por bandos de alguna forma ya estoy diferenciando el arte del diseño y probablemente sea así, pero hasta cierto punto. Para explicar esto me baso en una cita que dice: “la belleza es al arte lo que la estética es al diseño”. Lo que quiere decir esto es que ambos hacen obras cuidadas y buenas y que por ese término no se pueden diferenciar, pero los artistas hacen obras bellas, hacen las obras que a ellos le parecen bellas y que personas entendidas del mundo del arte también catalogarán como bellas, pero personas que no entiendan pueden ver una pintura más. En cambio cuando un diseñador hace una obra, la tiene que hacer estética (entre otros adjetivos) para que tanto la gente que entiendo como la que no opine que la obra tiene una estética buena. Un diseñador no tiene que hacer algo que le parezca estético o bueno a él sino algo que crea que la persona a la que va dirigida la obra piense que es estético o bueno.
Existe el arte gráfico y el diseño gráfico pero la palabra arte y la palabra diseño son semánticamente diferentes. El arte es lo que se puede aprender en Bellas Artes y el diseño sin embargo empezó cuando se inventó la imprenta, ya que su objetivo era hacer las tipografías, las maquetaciones, los carteles etc más estéticos.
Ambas actividades se realizan de formas semejantes pero cada uno tiene diferentes objetivos. Ambas pueden ser trascendentales, pero en una sirve para reforzar una idea y en otra para hacer hincapié en un sentimiento. Y por último ambos buscan la eficacia en su trabajo, pero el artista lo busca para sí mismo y el diseñador para el espectador al que va dirigido.

Ornamentación Philip Morris







Interpretaciones de la imagen (tema guerra)

Imagen esquemática



Imagen no figurativa abstracta






Imagen no figurativa geométrica









Imagen imaginativa en la que sale una mariposa apoyada en una granada






Imagen expresionista






Imagen realista






Imagen geométrica del Gernika


Funciones de la imagen

Imagen expresiva



Imagen propagandística de un partido político






Imagen crítica




Imagen comercial de un iPod




Imagen informativa





Imagen simbólica en la que aparece el primer Presidente negro de los Estados Unidos.